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Potencialidades y enfrentamientos del “otro-arte” contemporáneo
Ensayos
escrito por Daniel González Xavier   
01 de agosto de 2011

  Este texto presenta una reflexión trasversal sobre los nuevos modelos de creación de lo artístico que plantean la reconfiguración de la función social del arte. Es un enfoque sobre las prácticas contemporáneas, muchas veces cartografiadas fuera de la geo-política de las artes y del discurso crítico, teórico y académico dominante. O sea: un “otro-arte” contemporáneo. Bajo este neologismo del “otro-arte”, se busca contemplar las vigorosas expresiones artísticas de la contemporaneidad fuera del espacio “sacralizado” de lo que se denomina el arte contemporáneo. Sobre esta premisa se citarán analogías entre procesos artísticos actuales y movimientos artísticos históricos.

La crítica y la contemporaneidad.

  En 1997, en una visita a la Documenta de Kassel, Peter Bürger, el autor de Teoría de la Vanguardia, constató la vigencia del punto fundamental de su influyente obra: el concepto de vanguardia planteado desde el amplio cuestionamiento de la autonomía de la sociedad burguesa y la praxis vital como idea de aproximación entre el arte y el mundo social hasta confundirse con la vida. Asimismo, el autor dice salir de la muestra internacional con la sensación de haber reforzado su visión de las neo-vanguardias como manifestaciones neutralizadas en sus intenciones de revolucionar la vida y subvertir la institución artística, por operar repitiendo gestos caducados y absorbidos por las propias instituciones que intenta subvertir.


Ticket de la Documenta 12 de 1997

  Considerando las transformaciones artísticas, tecnológicas, científicas y sociales de los últimos doce años, que incluyen, entre sus principales paradigmas, el protagonismo de la internet, ¿tiene sentido que el autor vuelva en la actualidad a la Documenta de Kassel para hacer un análisis eficaz de sus conceptos?

  La Documenta de Kassel es resultante de un proyecto artístico que, aunque refleja arte en la contemporaneidad, no incluye evidentemente manifestaciones artísticas que puedan señalar una ruptura con su propio status de espacio institucional de renombre. La omnipresente opinión proveniente de los aparatos críticos sobre el fracaso de las vanguardias en su intento de revolucionar la vida, busca extender estos preceptos a la mencionada inutilidad revolucionaria de las neo-vanguardias, estancadas en el circuito oficial.

  Pero existe mucha vida y arte contemporáneo más allá de la Documenta de Kassel, la Bienal de Venecia y otros eventos artísticos del circuito oficial. Asimismo, existen manifestaciones estéticas de carácter crítico que van en un camino muy distinto y más contundente que el de las neo-vanguardias. La visión de la crítica insiste en no extender sus miradas a modelos interdisciplinarios y comunicacionales que diagnostican el surgimiento de vanguardias tardías en la era del capitalismo cognitivo: lo que aquí llamamos del “otro-arte” contemporáneo.

  ¿No ha fracasado también la crítica, en la medida en que no ha extendido su análisis a los nuevos circuitos que hacen equilibrio en la dicotomía de lo ‘periférico-subterráneo’ y lo ‘oficial-institucional’?
Walter Benjamin sintetizó la tarea de la crítica, afirmando que la historia de las obras es la que prepara su crítica. Lucas Fragasso, asimismo, menciona su procedencia histórica y su relación con grupos de interés: "Ella es una derivación de la razón ilustrada en el proceso a través del cual las instituciones privadas emprenden la progresiva ocupación de la esfera pública." (…) "la crítica ha usurpado funciones que no puede cumplir pero que tampoco puede abandonar".

Los colectivos contemporáneos a modo de vanguardias en código abierto.

  Recorridas muchas décadas desde la vigencia de las vanguardias históricas, surge un renovado espíritu fundamentado en las lógicas actuales de los nuevos medios y en estrategias de articulación en red, abarcando un mosaico de manifestaciones heterogéneas, conectadas tanto en la esfera tecnológica como en la social.

  Estos nuevos modelos de producción artística y social están muchas veces estructurados en forma de colectivos descentralizados, integrados por individuos de perfiles diversos como artistas, programadores, ingenieros, activistas, científicos, antropólogos y teóricos. Los colectivos ya son una tradición en las artes y en la literatura, con apariciones a lo largo de toda la historia. El modelo incluye casos como Arts and Crafts en la Inglaterra Victoriana, los dadaístas, los situacionistas, Fluxus, entre otros.

  Si desde las vanguardias se han planteado cuestionamientos sociales, políticos y estéticos, en la actualidad, desde el campo artístico, la nueva ola de colectivos introduce en los campos performáticos y estéticos prácticas híbridas como las hacker-urbanísticas, bio-artísticas, cyber-activistas e híper-mediáticas, entre otros campos “impuros”. Estas prácticas tienen como principal paradigma la colaboración, en un sentido renovado y nutrido por las nuevas herramientas de creación, sean las programadas en códigos abiertos por los propios artistas, o las disponibles y enmarcadas en la Web 2.0 (forma en que es conocida la web social en su versión oficial e impulsada por las empresas informáticas).

  Los procesos se generan en la zona de flujo físico/virtual a través de un continuo trabajo de investigación, creación y gestión. Algunos proyectos o archivos libres fomentan la idea de gestión de un pro-común, o sea, recursos que son de todos y de nadie a la vez. Estos “lugares” podrían ser definidos como los espacios que autentican lo que llamamos el “otro-arte” contemporáneo.
En este contexto, las herramientas juegan un papel fundamental incluso en “nuevas versiones” de prácticas provenientes de las vanguardias. El proyecto Open Street Map hace uso de sistemas GPS, cámaras digitales y programación de software para configurar mapas autónomos desde una perspectiva social y geo-referencial. El paso siguiente es publicar con licencias libres los datos en un Wikimap (mapa abierto a la libre edición), posibilitando a los usuarios plantear cuestiones afectivas y personales en estos espacio cartográfico online. De manera quizás no intencional, el proyecto actualiza la psicogeografía, propuesta principalmente por el situacionismo, en la cual se pretende a través de la deriva acercarse a los efectos y las formas del ambiente geográfico, en relación con usos afectivos del espacio.



Niños participan de taller Open Street Map, Coordinado por el colectivo Hackerarquitectura en Sevilla


Las zonas de autonomía del “otro-arte” y los avatares del remix.

  El “otro-arte” en el contexto de las nuevas prácticas estéticas, reivindica el status de finalidad libre de la institución, del mercado y de la crítica, pero sin impulsar una ruptura con estos campos, e incluso estableciendo puntos de convergencia desde el exterior sin compromiso o dependencia.
Por otro lado, entre las formas de interacción y articulación más independientes y completamente alejadas del contexto institucional están las Zonas Temporalmente Autónomas. Temporary Autonomous Zones, en su original en inglés, es un híbrido entre ensayo poético y manifiesto conceptual publicado en 1991 por el escritor estadounidense Hakim Bey, seudónimo de Peter Lamborn Wilson (Nueva York, 1945).

  El concepto de TAZ (siglas con las que comúnmente se identifica), describe la táctica sociopolítica de creación de espacios autónomos y efímeros que eluden las estructuras formales de control social. El autor reivindica la posibilidad de experiencias de autonomía y libertad que surgen sin otro fin que si misma y utilizan tácticas que les permiten manifestarse y desaparecer antes de ser localizadas. “El TAZ tiene localizaciones temporales -pero efectivas- en el tiempo y en el espacio. Y también ha de tener una ‘localización’ en el Web, y esa localización es de distinto tipo, no efectiva sino virtual, no inmediata pero sí instantánea. Hablando crudamente: puede decirse que el TAZ existe tanto en el espacio de la información como en el ‘mundo real’” (Hakim Bey, TAZ – Zonas Temporalmente Autónomas).

  El concepto de TAZ puede abarcar eventos heterogéneos tales como tecno-raves, performances colectivas vía streaming, acciones urbanas de graffiti digital, encuentros de artistas y hackers, exposiciones de arte efímeras de carácter no-curatorial, acciones lúdicas en el espacio público convocadas vía e-mail, carnavales politizados, performances audiovisuales basadas en la improvisación, y los llamados ‘enclaves’ en internet que tienen sobre todo la función de proveer las herramientas de articulación necesarias para propiciar las condiciones del surgimiento de la TAZ.


Acción del proyecto Graffiti Research Lab


Techno Free party

  Si las vanguardias artísticas han buscado la eliminación de la distancia entre arte y vida, las prácticas contemporáneas son una síntesis hegeliana del proceso pretendido, ya que hacen del arte su trabajo cotidiano, colectivo y “espiritual” (en el sentido hegeliano). La colaboración deviene en construcción continua del espectro virtual, definiendo una síntesis objetiva de la función social del arte.

  Los contenidos generados se desprenden del rechazo de la idea individual de autoría y la opción por la utilización de estrategias de enfrentamiento a los mecanismos de control de la productividad creativa. Estas estrategias incorporan la utilización de las licencias copyleft (”izquierdos de autor”) contrarias al restrictivo copyright, visto como un obstáculo a la idea de un campo cultural fértil, común y accesible a todos. Estos cuestionamientos están alejados de los mecanismos de gestión de las muestras internacionales en el circuito de arte contemporáneo oficial, que está orientado al mercado y por supuesto a la idea clásica de autoría. “Desde que el collage aparece en el mundo de las artes a principios del siglo XX, los cimientos sobre los que se sostiene el concepto de autoría están cada vez más resquebrajados” (Anki Toner). Producciones creativas elaboradas a modo de remezclas, bricolages, recombinaciones y obras abiertas son entendidas como lenguajes esenciales en la contemporaneidad.

Algunos logotipos relacionados con la cultura del Copyleft


  Aunque se trata de un fenómeno típico de la post-modernidad, la actitud es recurrente en muchos capítulos históricos del arte, como en las vanguardias históricas en la forma de poemas automáticos, collage, cadáveres exquisitos... La remezcla y reciclaje estético y cultural rompen el status de creación individual, objetivándose como práctica política y dialéctica.

La interpenetración entre arte, ciencia y tecnología.

  Siguiendo las huellas de las artes basadas en procesos interdisciplinarios es natural constatar que la mixtura de procedimientos en las artes evidencia que la sociedad es inmanente a la obra (T. W. Adorno), configurando un campo de intersección profundo entre lo artístico y lo científico.

  Antes es oportuno recordar que estas interrelaciones son recurrentes en la historia de las artes y ya se hacen presentes en el Renacimiento y en la Grecia Antigua, en la cual el término techné definía una condición híbrida de atributos, sin diferenciar en el individuo las habilidades u oficios como artesano, artista, herrero o científico. Como el objetivo aquí es reflejar la contemporaneidad debemos centrarnos en la ciencia como generadora de metodologías y procesos investigativos y en su cruce con la informática. "No es el triunfo de la ciencia lo que caracteriza a nuestro siglo XIX, sino el triunfo del método científico sobre la ciencia" (Nietzsche, La voluntad de poder).

  El proyecto cibernético en el mundo tiene entre sus características el control de los datos, la retroalimentación de información (feedback), el uso de sistemas computadorizados para controlar maquinarias, además del desarrollo continuo de la biotecnología, la genética y la biofísica que son, asimismo, campos cada vez más presentes en las artes.

  En la actualidad la relación entre arte y ciencia es cotidiana y los esfuerzos son bilaterales, ya que los científicos muchas veces encargan a los artistas el desarrollo de sistemas de visualización de datos, por citar un ejemplo. También es notable el creciente interés de los artistas en estudiar los distintos campos de la ingeniería (como la ingeniería de software y la genética), con la finalidad de concebir sus obras desde la programación.

  Los artistas vienen aplicando en sus obras metodologías científicas y recursos provenientes, por ejemplo, de la genética. Esto se evidencia en el trabajo del artista brasilero Eduardo Kac y su reflexión de la relación sujeto-objeto en torno a su más conocida obra de arte transgénico, Alba: una coneja verde fluorescente (bajo ciertas condiciones lumínicas), expuesta en galerías del circuito oficial del arte. El trabajo es resultado de la manipulación del ADN del animal junto a la proteína marina GPF K-9 (Green Fluorescent Protein).


La Obra/ser vivo Alba de Eduardo Kac y otras variaciones del mismo experimento artístico


  Hay también proyectos que transforman la idea de obra en espacios interactivos, donde los participantes asumen el rol de sujetos activos en la experiencia, de interactores. En lo que aquí definimos como el “otro-arte”, se destacan las obras a modo de databases y plataformas que son actualizadas en tiempo real a través de inputs de datos.

  En estos proyectos en la forma de soportes multimedia o instalaciones, el usuario, en medio de una experiencia estética, observa e interactúa con datos reales relacionados, por ejemplo, la emisión de gases a la atmósfera, flujos del capital financiero o datos que mapeen y representen la diversidad cultural y social de las grandes ciudades. La tendencia a exhibir obras con funcionalidades sociales comprueba el método científico y politiza los ambientes artísticos por introducir y reivindicar sistemas de información que incorporan cuestionamientos críticos de la sociedad a las obras. “Las únicas obras que hoy en día cuentan son las que ya no son obras” (T.W. Adorno, Filosofía de la nueva música).


Human Flows De Miguel Cabanzo (Italia). Proyecto artístico sobre la visualización y el mapeo interactivo de las migraciones globales, como intento de comprender las causas.

 

 


De Mar Canet, Gerald Kogler, Jordi Puig (Barcelona/Reino Unido). Casastristes.org tiene el objetivo de proporcionar una visión amplia y general de la problemática de la vivienda en España. Tiene la voluntad de ser una plataforma de intercambio de información y recursos siguiendo la filosofía de la Web 2.0, a través de la creación de una base de datos pública y fiable de las casa vacías en España.

  El nuevo régimen indisciplinado desorienta cualquier intento de establecer un juicio relacionado con los cuestionamientos kantianos sobre la búsqueda de definir la razón por la que agrada una obra de arte y los criterios con los que se la juzga.

La experiencia y la inmersión como paradigmas contemporáneos

  En el llamado capitalismo cultural, una nueva forma de fetichismo de la mercancía, está relacionado a la idea de experiencia e inmersión. “El rasgo determinante del capitalismo posmoderno al que asistimos hoy es la mercantilización directa de nuestras experiencias mismas (…), lejos de desaparecer, la producción material sigue entre nosotros, transmutada en mecanismo de soporte a la producción escénica” (Slavoj Zizek, A propósito de Lenin).

  En el arte contemporáneo el paradigma de la experiencia conectado con la idea de totalización del ambiente o inmersión, refuerza el nuevo régimen de relaciones entre sujeto y sociedad. Si en el arte conceptual la obra codifica la superioridad de las ideas dejando los medios materiales como vehículos para la interpretación, el arte contemporáneo hace uso de medios tecnológicos y conceptos articulados para configurar un espectro inmersivo e interactivo.

  Sobre la premisa de la experiencia y la inmersión volvemos a la radicalidad de las Zonas Temporalmente Autónomas y su intento de establecer un tiempo que atestigua la existencia de un territorio sensible como cuerpo colectivo externo a los mecanismos de control. El autor Hakim Bey hace hincapié en la TAZ como única posibilidad de que el arte pueda ocurrir con autonomía, emancipándose temporalmente del control geo-político sin emanciparse del mundo.

Paralelismos en el concepto de inmersión y shock en la TAZ y en la modernidad

  La TAZ como espacio referente del “otro-arte” coincide con la experiencia de tiempo de la modernidad (en el sentido de que cada instante ofrece una única oportunidad para ser experimentado). Si desde la modernidad se desprende una idea de “ahora” determinada por un presente como historia, la TAZ se relaciona con un presente anti-histórico pero, así como en la modernidad, con carga potencial de eternidad. “Su mayor fuerza reside en su invisibilidad -el Estado no puede reconocerlo porque la Historia carece de definición para él…” (Hakim Bey).

  El concepto de modernidad (neologismo acuñado por Charles Baudelaire en el siglo XIX, derivado de moderno y de modo, que significa ‘la hora presente’) está íntimamente asociado a un tiempo-lugar histórico: París del siglo XIX, una ciudad electrificada por sus transformaciones, capaz de someter el hombre inmerso en la muchedumbre a estímulos nunca antes experimentados. Se atribuye a la época moderna el surgimiento del principio de subjetividad y una nueva conciencia de la experiencia estética.

  La experiencia-shock de la modernidad es la vivencia-inmersión en la contemporaneidad. Este cuerpo colectivo electrificado busca un nuevo espacio-tiempo potencial que ya no se encuentra en las calles y en las muchedumbres de las metrópolis. Estos espacios han perdido su devenir estético-dionisíaco configurando los no-lugares (según Marc Augé, lugares de transitoriedad que no tienen suficiente importancia para ser considerados como "lugares”) de la sobremodernidad (otro término del antropólogo francés Marc Augé hace referencia a la aceleración de todos los factores constitutivos de la modernidad y a una ideología del presente).

  La TAZ, para lograr un sentido de electrificación/inmersión con plena autonomía para la experiencia y la sustancia de la creación artística, surge en las fisuras aprovechando el potencial proveniente de la nulidad de estas zonas controladas (o zonas de consumo, que pueden incluir las mega-ferias de arte contemporáneo y algunos museos transformados en complejos de consumo).


Aeropuerto de Madrid y Feria de Arte ARCO en Madrid


A modo de cierre pero no de conclusión

  La mirada analítica e individual del “pintor de la vida moderna” (personaje central de los relatos sobre la modernidad del poeta Charles Baudelaire), es reemplazada radicalmente por las múltiples miradas críticas de estas multitudes conectadas y su “voluntad de poder como arte” (Martin Heidegger) en los flujos de la contemporaneidad.

  En las palabras del músico, creador e introductor del happening John Cage, “el arte es una especie de estación experimental en la que ponemos a prueba la vida”. El “otro-arte” contemporáneo sigue estos preceptos y emana de las más variadas procedencias como los estudios multimedia caseros, los sofisticados centros de arte y tecnología y/o, principalmente, del más amplio laboratorio de creación colectiva ya existente: la web.


John Cage cocinando en 1989

  Daniel González Xavier (São Paulo, 1980) es artista sonoro, gestor cultural y curador independiente especializado en arte, tecnología, artes sonoras y audiovisuales. Ha sido mediador cultural de Medialab-Prado, Madrid y coordinador de los Encuentros AVLAB en la misma institución. Actualmente coordina los Encuentros AVLAB São Paulo y Córdoba, Argentina. En 2004 y 2005 fue curador del Festival FILE Hipersónica y en 2003 de la Muestra Intermedia Territorio de Anti-espectáculo (Muestra SESC de Artes). Es Mestre en Gestión Cultural por la Universidad Carlos Tercero de Madrid y doctorando en Artes en la Universidad Nacional de Córdoba.


Texto anteriormente publicado en el libro Flashbackup. Estados transitorios del arte y la tecnología en Córdoba.
Texto publicado y co-editado con Desislaciones http://desislaciones.net/textos

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